Leer el Arte: ‘Venecia celestiales’ de Josep Francés

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Josep Francés Anaya (Alzira, 1959). Cursa estudios de Arte en la academia Galatea de Valencia. Años después estudia Interiorismo y Arquitectura en la Escuela de Artes Aplicadas de Valencia. Su trabajo de restauración arquitectónica le lleva a ver la posibilidad de transferir su trabajo a sus cuadros. Una de sus facetas más interesantes es su participación en concursos de pintura rápida al aire libre, en los que en pocas horas se adquiere una gran destreza en técnicas de pintura que después aplica a sus obras de estudio. Expone en salas de arte de España y Francia, pero es a partir de 2005 cuando empieza a participar en certámenes de pintura nacionales e internacionales, cuando cambia por completo su pintura, y se convierte en una pintura de claro carácter constructivista. En sus obras, Francés refleja en cuadros de gran tamaño series de ciudades del mundo, transportando su carácter cosmopolita a sus obras y consiguiendo con ello el reconocimiento en infinidad de premios tanto nacionales como internacionales. En el año 2013 es seleccionado para pertenecer al grupo Artevalencia.

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Esta es una obra grande pero también es una gran obra. En ella se representa la iglesia Santa María della Salute de Venecia como elemento soporte de la obra y produce la sensación de que la ha sometido a una radiografía para ver su esqueleto en ciertas zonas. También parece como si sobre el dibujo técnico arquitectónico, donde vemos líneas de construcción de la estructura, se hubieran superpuesto fragmentos fotográficos de la iglesia en su visión externa. En el fondo superior vemos un cielo nuboso y en la parte inferior podemos ver El Gran Canal, en el cual flotan tres góndolas juntas, pegadas la una a la otra, y vemos la proa de otras dos separadas a la derecha. En la parte inferior de la base de la iglesia, parecen faltar trozos en forma de cuadriláteros que nos permiten ver las aguas, lo que nos lleva a la conclusión de que la iglesia es un trampantojo que nos cubre toda la visión salvo las góndolas, las cuales tienen un tamaño muy grande con respecto a la iglesia, lo que reafirma la idea de trampantojo.

También nos produce la sensación de que es una composición simétrica. Pero es otro engaño. La idea se rompe en cuanto analicemos los elementos de la derecha respecto a los de la izquierda. El eje central vertical no es la línea multicolor que tanto destaca sino una línea paralela casi blanca que hay a la derecha; nuevo engaño. La línea que marca la altura del triángulo del frontón, al ser éste más saliente, está desplazado a la derecha de este eje.

Este trampantojo parece pintado sobre un gran tablero de fondo negro que llega ligeramente por debajo de la proa de las góndolas. Hacia abajo aún vemos, a izquierda y derecha, unos paneles azules que no nos permiten ver lo que hay detrás. Todo esto nos hace creer que el soporte -me refiero al lienzo del cuadro- no es un cuadrado (aunque realmente lo es, pues provocaría una sensación de neutralidad o equilibrio dinámico) sino un rectángulo en posición vertical que produce la sensación de dinamismo y de ascensión.

Esta sensación de ascensión se ve reforzada por los desnudos encaramados en el edificio, presuntamente flotando, pero vuelve a engañarnos ya que solo el desnudo central superior tiene alas de ave y es el único que reposa con sus pies en la cúpula. Enganchadas a él hay otras dos figuras en posición simétrica que sí flotan. Enganchadas a la zona de apoyo de la figura central con un solo brazo hay dos más flotando, siguiendo más o menos la simetría. Y por debajo hay otras dos, una a cada lado, estando la de la izquierda un poco más arriba que la de la derecha.

Los desnudos nos pueden recordar a Miguel Ángel, pero es falso, pues el diseño no tiene nada que ver, ya que son mujeres muy delgadas que se asemejan más a La Venus del Espejo de Velázquez. La figura de la izquierda parece estar de rodillas y la sustentan unas alas mecánicas que recuerdan a algunos de los diseños de Leonardo da Vinci. La figura de la derecha parece estar en cuclillas, pero lo que nos hace creer en unas alas, como las correspondientes a la figura de la izquierda, es otro engaño, pues solo están trazadas dos líneas curvas que se cruzan en aspa justo en el cuello.

Estas figuras desnudas son como si hubieran tomado vida las esculturas en forma de ángeles que se posan en la iglesia, por encima de los frontones. No obstante, los tamaños de las mismas tampoco son proporcionales entre si, ni en relación al edificio. Son equivalentes dos a dos y la central con las dos inferiores.

También vemos unas líneas inclinadas que parecen ser líneas de fuga, pero no todas lo son. Observad las que salen de las zonas rectas del edificio y las que no.

En la parte superior, por encima del presunto ángel de alas de ave que construyen una cruz, se insinúa otra cruz en azul, pero en realidad tampoco lo es.

En la parte inferior nos encontramos con otra falsedad, otra contradicción: las aguas donde reposan las góndolas están tranquilas y reflejan, como si se tratara de un espejo en sutil movimiento, el cielo y las luminosas nubes. Pero un poco más hacia el fondo, a partir de las proas de las góndolas, vemos unas aguas diferentes y con oleaje más que suficiente como para que las del primer plano no estén quietas.

En resumen, vemos que la manera de realizar la composición que tiene el artista es provocando sensaciones falsas, es jugando al engaño, insinuando cosas que en realidad no son lo que aparentan. Dado que la gran mayoría de sus obras encarnan edificios y ciudades observados desde diferentes perspectivas, cabe pensar que sus estudios de arquitectura tienen mucho que ver con ello.

Si atendemos a las figuras geométricas que intervienen en la composición, hemos de distinguir entre las propias del edificio y las creadas por el pintor.

La iglesia fue diseñada en el estilo barroco de moda de entonces por Baldassare Longhena, que estudió con el arquitecto Vincenzo Scamozzi. La construcción comenzó en 1631. La mayor parte de los objetos de arte alojados en la iglesia hacen referencia a la peste negra.

La cúpula de la Salute fue una importante adición a la línea del horizonte de Venecia y pronto se convirtió en emblema de la ciudad, inspirando a artistas como CanalettoJMW TurnerJohn Singer Sargent y Francesco Guardi.

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Como puede observarse, se compone de triángulos isósceles, cuadriláteros rectángulos y semicírculos. Los frontispicios están rematados por un frontis triangular, del cual caen sendas columnas corintio con fustes sin estrías, a diferencia de las genuinas griegas.

Los triángulos producen la sensación de estabilidad, seguridad, grandiosidad y equilibrio; los cuadriláteros rectángulos unidad y estabilidad; los círculos regularidad y equilibrio; las formas verticales exaltación, ascensión, miras elevadas, fuerza, permanencia y estimulación. Por tanto, son atributos que explican por sí solos, en su combinación, las sensaciones transmitidas de forma subliminal por este tipo de edificios, muy apropiados para un templo religioso.

En cuanto a la composición creada, veamos sus elementos más importantes:

Aquí vemos la iniciación de un círculo, pero solo está trazado un cuadrante, considerando un tono en la nube que parece continuar la curva.

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Este segundo arco es en realidad medio cuadrante.

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El arco correspondiente a un sector azul del lado derecho es aún menor que los anteriores y los centros de cada círculo están en diferentes posiciones.

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Las líneas que he marcado de rojo son las únicas que corresponden a cónicas de las zonas del edificio.

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Estas tres góndolas están situadas en el primer plano, conformando una especie de elipse u ojiva, y alineadas de tal manera que sus ejes se encuentran en un punto más arriba, como si fueran otras cónicas cuyo punto de fuga nada tienen que ver con el horizonte. Por tanto, son ficticias, forzadas o artificiales.

Una forma oval viene a provocar sensaciones de delicada tranquilidad femenina, majestuosidad, grandiosidad… pero las ojivas son otra cosa y con otros significados…

De la punta de la proa de la cuarta góndola parten dos líneas divergentes que llegan a tocar sendos arcos de medio punto sin que tengan justificación alguna, al igual que otras líneas verticales, horizontales e inclinadas que existen en el portón principal, en la cúpula y en las hornacinas, las cuales son un señuelo para que creamos que corresponden a la estructura o esqueleto del diseño de la iglesia, pero yo no les veo coherencia.

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Entre la figura central situada arriba y las dos inferiores se construye un triángulo isósceles, pero volcado, por lo que la sensación de estabilidad, seguridad y equilibrio se pierden, pero queda grandiosidad que une a los tres ángeles mayores y únicos con alas o análogas a tales.

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Desde el punto de vista cromático las armonías fundamentales están ligadas a los colores azul y naranja, que como son complementarios, además de uno frío y el otro cálido, hacen a los naranjas luminosos y salientes. También veremos unos toques de rojo y violeta con pequeñas variaciones al verde.

La luz parece proceder desde un punto alto en el eje vertical central de la composición, salvo para el ángel del centro, que parece recibirla algo más frontal. Las cuatro figuras sin alas parecen condenadas a caer en la cúpula, mientras los dos ángeles de alas mecánicas vigilan para que ocurra lo que haya de ocurrir.

En síntesis, tenemos una gran obra con una composición muy elaborada, dinámica y con gran armonía lineal y de formas, así como de los colores. Una obra que puede hacer creer que es muy espiritual al aparecer iglesia y ángeles, pero más bien se trata de un proceso de depuración o castigo.

 

Si queréis saber más sobre este magnífico pintor podéis visitar los siguientes enlaces:

http://josep-virtuality.blogspot.com.es/

https://www.facebook.com/JosepFrancesArtista

http://www.galerialatira.com/exposiciones/josep-franc%C3%A9s/

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